Фото предоставлено галереей ГУМ-Red-Line. Фотограф Николай Казеев.
Художник говорит: Александр Беридзе
Встреча Artline Project с художником, которого на Западе называют «Королем абстракции», прошла в галерее современного искусства ГУМ-Red-Line, где сейчас проходит персональная выставка Александра Беридзе «Абстрактное мышление». В пространстве, наполненном творчеством, состоялся интересный разговор о жизненном пути художника, роли абстракции в современной живописи и ощущении грядущих перемен в мировом искусстве.
— Александр, в начале беседы хотелось бы узнать об истоках Вашего становления как художника. Расскажите о Вашей семье, детстве и о том, что повлияло на выбор профессии.
— Я родился в славном курортном городе Кисловодске, но это чисто географически. Так случилось, что мой дедушка, который был заслуженным художником Советского Союза, оформлял один из санаториев в Кисловодске, а мама, будучи беременной мною на восьмом месяце, тогда поехала к нему в гости. В Кисловодске были самые лучшие профессора и они посоветовали ей там и рожать. Потом мы вернулись в Ленинград. Вся моя российская часть родни по маминой линии из Санкт-Петербурга. Я очень хорошо знаю историю своей семьи, потому что это была, так скажем, непростая семья. Мой прадедушка был очень известным меценатом в Петербурге. В Швейцарии, Санкт-Морице, он познакомился с моей прабабушкой, владелицей пансионата, где он останавливался. Это была девушка французского происхождения, которая жила в Швейцарии. Они полюбили друг друга, и он в 1912 году привез ее в Санкт-Петербург, где через год родился мой дедушка. К сожалению, во время революции 1917 года отца семейства расстреляли прямо у ворот его дома на Фурштатской, а бедную француженку не выпустили в Швейцарию с ребенком на руках. Квартиру уплотнили, и они остались жить в маленькой комнате, разделенной занавесками. Прабабушка скоропостижно скончалась в 1922 году, и моего дедушку растили родственники. Дедушка, каким я его помню, был большим поклонником классической музыки. Он всегда говорил: «или Рахманинов, или тишина». Потому что это был его самый любимый композитор. Каждую субботу после обеда, это был такой ритуал, мы слушали второй концерт, а в воскресенье третий. Именно мой дедушка в детстве научил меня рисовать.
— В Ленинграде Вы провели только часть юности?
Да, в 1986 году, когда началась перестройка, мы переехали в Тбилиси и начался мой период взросления: время, когда маленький мальчик становится мужчиной. И как раз за это я очень-очень благодарен Грузии. Эта страна дала мне понимание того, как устроена жизнь и как в ней надо существовать. В 1991 я поступил в Тбилисскую академию художеств на факультет графического дизайна, потому что подумал, что если художником не заработаю, то хотя бы в рекламе буду работать. Я всегда любил чертить, в школе выигрывал олимпиады по черчению, ну и, кроме того, в начале 90-х годов был настоящий бум рекламы.
— Как этот выбор специальности повлиял на Вас в будущем?
После того как в 2000 году я переехал жить во Францию, там начал работать в рекламном агентстве Dragon Rouge – в то время одном из самых известных агентств не только Франции, но и Европы. Во время работы там мне довелось познакомиться с Филиппом Старком, он читал нам курс лекций по минимализму. Так я попал к нему в команду и благодаря этой работе познакомился с миром моды. И уже потом я влился в отдельную группу фрилансеров, которая делала витрины различным известным бутикам Парижа.
— То есть изначально Вы начали работать именно как дизайнер, как оформитель витрин, а как случилось, что Вы пришли к живописи и абстракции?
В то время я, конечно, не очень много рисовал. Так как у меня был большой период, когда пришлось заново устраивать свою жизнь в новой стране: с момента, как переехал во Францию и до середины 2000-ых. Как только мне удалось обустроиться и освободиться от бытовых проблем, я полностью погрузился в творчество. У меня было классическое образование, я все-таки рисовал фигуратив. Где-то в 2008-2009 годах я стал пробовать себя в абстракции, потому что в фигуративе мне уже стало очень-очень тесно. Мой путь, по которому я пришел к абстракции – это геометрия, моя любовь к черчению и точным формам. Геометрия мне помогла найти в себе смелость сделать первые абстрактные мазки. Вообще в абстракции мне нравится то, что у себя в голове я заранее не вижу законченную картину, а в процессе ее создания продвигаюсь по какому-то наитию.
— Как же Вы начинаете свои работы?
— Я никогда не думаю над цветом, беру первый тюбик, который попадется под руку и в каком-то смысле доверяю своей руке. Я знаю, что возьму именно тот цвет, который нужен, хотя я много разных цветов смешиваю, чтобы получить те тона, которые нужны мне и картине. Когда я заканчиваю абстрактную работу, у меня есть такое чувство, что я отдал холсту все и полностью освободился. В абстракции самый важный вопрос – это когда остановится, когда принять что работа закончена. У меня это происходит в тот момент, когда я понимаю, что полностью отдал себя картине и опустошен. Это очень-очень классное чувство, потому что сразу же начинаешь наполняться чем-то новым.
Я не один, кто об этом говорит: художник в каком-то смысле – просто проводник, который где-то берет энергию, проводит ее через себя, и отдает в свои картины и через них – в этот мир, а потом заново ею наполняется. Таким образом, художник как бы проходит вечный круг наполнения и опустошения.
Фото предоставлено галереей ГУМ-Red-Line. Фотограф Николай Казеев.
— Вы здорово описали творческий процесс и нельзя не согласиться, что для художника очень важный момент – это когда остановиться в создании картины. А сколько времени Вы обычно работаете над картиной, это какая-то долгая работа, или Вы быстро работаете и создаете ее «в один присест»?
Невозможно измерить время, которое тратишь на картину, потому что ты начинаешь рисовать не в тот момент, когда первый раз кисточку в краску окунаешь. Вот я сейчас с вами общаюсь, а в тоже время в каком-то смысле рисую, потому что наше общение, потом может вылиться во что-то на картине. Я не могу понять, в какой момент начинается создание новой работы, но это точно не тогда, когда ты заходишь в мастерскую.
Я заметил лично из своего опыта, что чем быстрее я создаю картину, тем она лучше получается. Если я долго рисую, это значит, что я мучаюсь, я картину уже прям вот вымучиваю. Лично мне кажется, что в лучшем случае картина должна быть написана зараз, потому что потом ты начинаешь ее домысливать, включая голову. А публика, зритель, ценят в картинах художника именно вот это: когда ты чувствуешь и передаешь на холст энергию.
— Вам важно признание публики?
Я всегда говорю: я никогда не рисовал ни для денег, ни ради денег, ни для славы, ни для успеха, потому что у меня всегда была потребность в рисовании. В этом заключается мой совет для молодых художников: если вы ищете себя и понимаете, что можете быть и банкиром, и спортсменом, и может быть даже дизайнером или еще кем-то, то идите именно вот туда. Потому что художником надо становиться только лишь в том случае, если ты ничего другого не видишь и не можешь помыслить для себя иной деятельности. Даже если ты хоть на секундочку можешь себя представить в другом амплуа, то надо идти туда, потому что художественный путь очень-очень сложный, чтобы его осилить, надо иметь просто железобетонную уверенность.
— Раз мы заговорили о молодых художниках, что Вы можете порекомендовать тем, кто только начинает свой путь?
— Нет никаких законов или готовых рецептов, у каждого свой путь, каждый должен прожить и получить именно свой опыт. Было бы очень легко опираться на опыт предыдущих поколений, но если бы это всегда работало, то мы бы уже, наверное, в раю жили.
— Но, может быть, есть какие-то базовые рекомендации вроде подготовки резюме, портфолио, которые нужно рассылать по галереям? Как художнику заявить о себе?
— Единственный совет, который я могу дать, это просто много общаться, потому что все происходит через общение, через знакомства. И вообще я считаю, что в первую очередь художник должен стать интересным для того же куратора, того же галериста, стать интересным именно своей персоной, своей индивидуальностью. Есть такое высказывание, что за всю свою жизнь художник рисует один единственный шедевр, которым является – он сам. Надо быть и в прямом, и в переносном значении, художником самим по себе. Я был свидетелем того, как известный во Франции арт-дилер выбрасывал портфолио художников, едва они успевали выйти из галереи. Я спросил у него, почему он выкидывает портфолио, даже не просматривая? Он ответил: «Хороший художник никогда не придет, не откроет дверь и сам не принесет свое портфолио. И художник, и арт-дилер живут в одной арт-среде и о достойном ярком художнике ему всегда расскажут, ничего важного не пройдет мимо его внимания».
— Хотелось бы поговорить про Вашу выставку «Абстрактное мышление». Что для Вас абстрактное мышление? Это бессознательные или психологические аспекты, магические?
Да, и бессознательные, и в каком-то смысле магические. Такое название у выставки еще потому, что одна из серий моих работ, представленных здесь, называется «Размышление». Когда я создавал картины этой серии, я познакомился с французскими учеными, нейробиологами, психологами, философами, которые приехали ко мне на открытие моей выставки в Ницце и там они мне рассказывали и объясняли мои же работы – что такое я нарисовал. Это были люди, которые больше 20 лет работали с нашим сознанием и подсознанием и в моих картинах они смогли увидеть мыслительные процессы, которые происходят в голове у человека, как будто я иллюстрировал то, что показывают аппараты МРТ. Затем мы совместно с ними выпустили книгу «Открытие нашей мыслительной жизни».
— Вы здорово описали творческий процесс и нельзя не согласиться, что для художника очень важный момент – это когда остановиться в создании картины. А сколько времени Вы обычно работаете над картиной, это какая-то долгая работа, или Вы быстро работаете и создаете ее «в один присест»?
Невозможно измерить время, которое тратишь на картину, потому что ты начинаешь рисовать не в тот момент, когда первый раз кисточку в краску окунаешь. Вот я сейчас с вами общаюсь, а в тоже время в каком-то смысле рисую, потому что наше общение, потом может вылиться во что-то на картине. Я не могу понять, в какой момент начинается создание новой работы, но это точно не тогда, когда ты заходишь в мастерскую.
Я заметил лично из своего опыта, что чем быстрее я создаю картину, тем она лучше получается. Если я долго рисую, это значит, что я мучаюсь, я картину уже прям вот вымучиваю. Лично мне кажется, что в лучшем случае картина должна быть написана зараз, потому что потом ты начинаешь ее домысливать, включая голову. А публика, зритель, ценят в картинах художника именно вот это: когда ты чувствуешь и передаешь на холст энергию.
— Вам важно признание публики?
Я всегда говорю: я никогда не рисовал ни для денег, ни ради денег, ни для славы, ни для успеха, потому что у меня всегда была потребность в рисовании. В этом заключается мой совет для молодых художников: если вы ищете себя и понимаете, что можете быть и банкиром, и спортсменом, и может быть даже дизайнером или еще кем-то, то идите именно вот туда. Потому что художником надо становиться только лишь в том случае, если ты ничего другого не видишь и не можешь помыслить для себя иной деятельности. Даже если ты хоть на секундочку можешь себя представить в другом амплуа, то надо идти туда, потому что художественный путь очень-очень сложный, чтобы его осилить, надо иметь просто железобетонную уверенность.
— Раз мы заговорили о молодых художниках, что Вы можете порекомендовать тем, кто только начинает свой путь?
— Нет никаких законов или готовых рецептов, у каждого свой путь, каждый должен прожить и получить именно свой опыт. Было бы очень легко опираться на опыт предыдущих поколений, но если бы это всегда работало, то мы бы уже, наверное, в раю жили.
— Но, может быть, есть какие-то базовые рекомендации вроде подготовки резюме, портфолио, которые нужно рассылать по галереям? Как художнику заявить о себе?
— Единственный совет, который я могу дать, это просто много общаться, потому что все происходит через общение, через знакомства. И вообще я считаю, что в первую очередь художник должен стать интересным для того же куратора, того же галериста, стать интересным именно своей персоной, своей индивидуальностью. Есть такое высказывание, что за всю свою жизнь художник рисует один единственный шедевр, которым является – он сам. Надо быть и в прямом, и в переносном значении, художником самим по себе. Я был свидетелем того, как известный во Франции арт-дилер выбрасывал портфолио художников, едва они успевали выйти из галереи. Я спросил у него, почему он выкидывает портфолио, даже не просматривая? Он ответил: «Хороший художник никогда не придет, не откроет дверь и сам не принесет свое портфолио. И художник, и арт-дилер живут в одной арт-среде и о достойном ярком художнике ему всегда расскажут, ничего важного не пройдет мимо его внимания».
— Хотелось бы поговорить про Вашу выставку «Абстрактное мышление». Что для Вас абстрактное мышление? Это бессознательные или психологические аспекты, магические?
Да, и бессознательные, и в каком-то смысле магические. Такое название у выставки еще потому, что одна из серий моих работ, представленных здесь, называется «Размышление». Когда я создавал картины этой серии, я познакомился с французскими учеными, нейробиологами, психологами, философами, которые приехали ко мне на открытие моей выставки в Ницце и там они мне рассказывали и объясняли мои же работы – что такое я нарисовал. Это были люди, которые больше 20 лет работали с нашим сознанием и подсознанием и в моих картинах они смогли увидеть мыслительные процессы, которые происходят в голове у человека, как будто я иллюстрировал то, что показывают аппараты МРТ. Затем мы совместно с ними выпустили книгу «Открытие нашей мыслительной жизни».
Фото предоставлено галереей ГУМ-Red-Line. Фотограф Николай Казеев.
— Похоже, Ваше творчество имеет огромную ценность для науки!
Этим летом еще выяснилось, что на мои картины реагируют люди с расстройством аутистического спектра и с синдромом Аспергера. Одна из характерных особенностей этих расстройств заключается в том, что люди не реагируют на визуальную информацию. Потому врачи, которые занимаются аутизмом, не могут с ними общаться, как будто между ними нет связи. Мои картины дают надежду на этот контакт. Сейчас проводят большое исследование в Колумбийском университете.
— Будем надеяться, что в ближайшее время произойдут заметные продвижения в области изучения этих расстройств. А как вообще Вы видите будущее развития мирового искусства?
Еще в 2011-2012 годах я написал манифест, так как чувствовал, что грядет эпоха перемен, что должна измениться парадигма. Концептуальное искусство и постмодернизм настолько уже развились, что сами себя и поглотили. Свой манифест я назвал «Возрождение — возврат к красоте».
«Сегодня как никогда остро встали вопросы: по какому пути развития пойдет Человечество? Как будут развиваться Культура и Искусство?
Чтобы ответить на эти вопросы, в первую очередь, надо оставить в прошлом эпоху ненавистного Постмодерна, который привел нас к плачевному результату. То была эпоха, воздвигнутая на отрицании красоты. На идее, которая до сих пор витает в кругах «знатоков» и критиков искусства: живопись умерла, закончилась, а все, что можно было, уже нарисовано и создано.
Эпоха Постмодерна характеризуется разделением Художника – творца и его произведения. Говоря языком теоретиков, все есть Искусство и любой человек может быть художником. Это значит, что настоящий автор умер, персональный стиль невозможен и не нужен. Нет ничего нового, все уже сделано, все является повторением (ремиксом) или, в лучшем случае, иронией.
Чтобы ответить на поставленные вначале вопросы, необходимо понять значимость изобразительного искусства. Не только в истории искусства, но и в истории Человечества! Живопись – единственный способ хронологически «писать» историю нашего пребывания на Земле. Самый эффективный способ отобразить развитие Человечества, начиная с наскальных рисунков, заканчивая современными шедеврами. И все потому, что живописи не нужен перевод. Она понятна на всех языках.
Но что произошло? Почему мы перестали верить в искусство? Я отвечу. Искусство стало товаром. В угоду рынку. Все стало Искусством, но Искусство не стало всем! Сегодня любой ремесленник возведен в ранг Художника. Возникла дисгармония, дисбаланс между материальным и духовным. Люди забыли, что пришли на эту Землю, чтобы стать более духовными, а не для того, чтобы купить машину, дом и телевизор. Мы живем в эпоху подмены ценностей, где сметены все ориентиры и базовые понятия предшествующих эпох о красоте.
Красота бесконечна, как и наша Вселенная! Красота, наше видение Красоты и ее понимание – высшее Благо, дарованное Человеку свыше. Только Искусство – истинное Искусство – может помочь человеку подняться, вырасти и стать более духовным, приблизиться к Творцу.
Один из самых известных протагонистов постмодерна Марсель Дюшан, предрекал через 100 лет возврат живописи на свое главенствующее место. Но он сам же и бросил вызов обществу, всем законам красоты и подлинного искусства, представив писсуар в качестве произведения искусства. Так же поступили его единомышленники и продолжатели его идей, которые придумали Концептуальное Искусство.
Но красоте не нужна концепция, аннотация или объяснение. На протяжении веков люди были способны увидеть истинную красоту и любоваться шедеврами без объяснения концепции произведения. Никогда ранее ни один человек не чувствовал себя глупцом перед шедевром, потому что истинная божественная красота сама внятно говорит со зрителем.
Я, Александр Беридзе, художник-визионер, провозглашаю новую Эру, новый виток в спирали развития Искусства. Я провозглашаю Возврат к Красоте. Возврат к истинной Красоте, которую мы знаем, еще начиная с античной эпохи и до начала эры Постмодерна.
Возврат к красоте, которую воспевали разные поколения гениальных художников. Возврат к красоте художественного кадра, жеста, композиции, цвета, формы – всего, что мы видим в деталях и в совокупности художественного произведения.
Художник неотделим от своего произведения, потому что он вкладывает в него частичку себя, своей души. Именно она остается в произведении на века и радует глаз и душу многих поколений зрителей. Пришло время изменить существующую парадигму и провозгласить Renaissance, Возрождение, как это уже было в истории искусства. Все в нашем мире развивается по гегелевской спирали. Все циклично поднимается с каждым витком на уровень выше.
Вспомним, живопись на английском языке звучит, как «fine art», на французском – «beaux arts», на итальянском – «belle arti». Fine, beaux, belle – везде есть слово Красота. Я призываю вернуть искусству это прекрасное значение. И пусть истинная красота всегда будет ориентиром для творцов.
Мы много раз слышали выражение: «красота спасет мир». Но кто спасет Красоту? Это наша задача. Настало время провозгласить новую эру в искусстве, Эру Возврата к Красоте, которая даст толчок к изменению общества. Я призываю всех, кто разделяет мои идеи и устремления, присоединиться к этому Манифесту. Художники и Творцы всего Мира, объединяйтесь под знаменем Божественной Красоты! Сегодня мы пишем историю пребывания Человека на Земле, так давайте же вместе напишем одну из самых красивых глав в Истории Искусства и Человечества!»
— Похоже, Ваше творчество имеет огромную ценность для науки!
Этим летом еще выяснилось, что на мои картины реагируют люди с расстройством аутистического спектра и с синдромом Аспергера. Одна из характерных особенностей этих расстройств заключается в том, что люди не реагируют на визуальную информацию. Потому врачи, которые занимаются аутизмом, не могут с ними общаться, как будто между ними нет связи. Мои картины дают надежду на этот контакт. Сейчас проводят большое исследование в Колумбийском университете.
— Будем надеяться, что в ближайшее время произойдут заметные продвижения в области изучения этих расстройств. А как вообще Вы видите будущее развития мирового искусства?
Еще в 2011-2012 годах я написал манифест, так как чувствовал, что грядет эпоха перемен, что должна измениться парадигма. Концептуальное искусство и постмодернизм настолько уже развились, что сами себя и поглотили. Свой манифест я назвал «Возрождение — возврат к красоте».
«ВОЗРОЖДЕНИЕ — ВОЗВРАТ К КРАСОТЕ»
«Сегодня как никогда остро встали вопросы: по какому пути развития пойдет Человечество? Как будут развиваться Культура и Искусство?
Чтобы ответить на эти вопросы, в первую очередь, надо оставить в прошлом эпоху ненавистного Постмодерна, который привел нас к плачевному результату. То была эпоха, воздвигнутая на отрицании красоты. На идее, которая до сих пор витает в кругах «знатоков» и критиков искусства: живопись умерла, закончилась, а все, что можно было, уже нарисовано и создано.
Эпоха Постмодерна характеризуется разделением Художника – творца и его произведения. Говоря языком теоретиков, все есть Искусство и любой человек может быть художником. Это значит, что настоящий автор умер, персональный стиль невозможен и не нужен. Нет ничего нового, все уже сделано, все является повторением (ремиксом) или, в лучшем случае, иронией.
Чтобы ответить на поставленные вначале вопросы, необходимо понять значимость изобразительного искусства. Не только в истории искусства, но и в истории Человечества! Живопись – единственный способ хронологически «писать» историю нашего пребывания на Земле. Самый эффективный способ отобразить развитие Человечества, начиная с наскальных рисунков, заканчивая современными шедеврами. И все потому, что живописи не нужен перевод. Она понятна на всех языках.
Но что произошло? Почему мы перестали верить в искусство? Я отвечу. Искусство стало товаром. В угоду рынку. Все стало Искусством, но Искусство не стало всем! Сегодня любой ремесленник возведен в ранг Художника. Возникла дисгармония, дисбаланс между материальным и духовным. Люди забыли, что пришли на эту Землю, чтобы стать более духовными, а не для того, чтобы купить машину, дом и телевизор. Мы живем в эпоху подмены ценностей, где сметены все ориентиры и базовые понятия предшествующих эпох о красоте.
Красота бесконечна, как и наша Вселенная! Красота, наше видение Красоты и ее понимание – высшее Благо, дарованное Человеку свыше. Только Искусство – истинное Искусство – может помочь человеку подняться, вырасти и стать более духовным, приблизиться к Творцу.
Один из самых известных протагонистов постмодерна Марсель Дюшан, предрекал через 100 лет возврат живописи на свое главенствующее место. Но он сам же и бросил вызов обществу, всем законам красоты и подлинного искусства, представив писсуар в качестве произведения искусства. Так же поступили его единомышленники и продолжатели его идей, которые придумали Концептуальное Искусство.
Но красоте не нужна концепция, аннотация или объяснение. На протяжении веков люди были способны увидеть истинную красоту и любоваться шедеврами без объяснения концепции произведения. Никогда ранее ни один человек не чувствовал себя глупцом перед шедевром, потому что истинная божественная красота сама внятно говорит со зрителем.
Я, Александр Беридзе, художник-визионер, провозглашаю новую Эру, новый виток в спирали развития Искусства. Я провозглашаю Возврат к Красоте. Возврат к истинной Красоте, которую мы знаем, еще начиная с античной эпохи и до начала эры Постмодерна.
Возврат к красоте, которую воспевали разные поколения гениальных художников. Возврат к красоте художественного кадра, жеста, композиции, цвета, формы – всего, что мы видим в деталях и в совокупности художественного произведения.
Художник неотделим от своего произведения, потому что он вкладывает в него частичку себя, своей души. Именно она остается в произведении на века и радует глаз и душу многих поколений зрителей. Пришло время изменить существующую парадигму и провозгласить Renaissance, Возрождение, как это уже было в истории искусства. Все в нашем мире развивается по гегелевской спирали. Все циклично поднимается с каждым витком на уровень выше.
Вспомним, живопись на английском языке звучит, как «fine art», на французском – «beaux arts», на итальянском – «belle arti». Fine, beaux, belle – везде есть слово Красота. Я призываю вернуть искусству это прекрасное значение. И пусть истинная красота всегда будет ориентиром для творцов.
Мы много раз слышали выражение: «красота спасет мир». Но кто спасет Красоту? Это наша задача. Настало время провозгласить новую эру в искусстве, Эру Возврата к Красоте, которая даст толчок к изменению общества. Я призываю всех, кто разделяет мои идеи и устремления, присоединиться к этому Манифесту. Художники и Творцы всего Мира, объединяйтесь под знаменем Божественной Красоты! Сегодня мы пишем историю пребывания Человека на Земле, так давайте же вместе напишем одну из самых красивых глав в Истории Искусства и Человечества!»
Публикация манифеста в журнале Times Monaco. Фото предоставлено Александром Беридзе.